Year: 2022

Von Stuart Broomer

Das INTERsection Festival in Toronto ist eine langjährige Veranstaltung, die manchmal ausgefallene Musik an ungewöhnlichen Orten präsentiert. Nach einer zweijährigen Covid-Pause kehrt es zurück und strebt danach, Dinge zusammenzubringen – herausfordernde Musik, die alltägliche Stadt – manchmal auf eine Weise, die vielleicht nicht zusammenpasst. Manchmal könnte man es als ein Konfrontationsfestival betrachten, sogar als ein Kollisionsfestival, das unbekannte Musik dort platziert, wo man sie vielleicht nicht erwartet. Es ist Webseite bietet eine hervorragende Zusammenfassung seiner breiten und definitiv experimentellen Community-Programmierung.

INTERsection umfasst eine Vielzahl zeitgenössischer Idiome, von Hip-Hop über Community Drum Corps und Chöre bis hin zu elektronischer Musik. Dieses Jahr präsentierte es einen Samstagnachmittag voller Musik auf dem Dundas Square, einem wichtigen Treffpunkt in der Innenstadt (ein Teilnehmer nannte ihn in einem Facebook-Post großzügig „gefälschten Times Square“). Free-Jazz- und Noise-Musiker wurden der ahnungslosen Menge von Käufern, Touristen und Straßenmenschen präsentiert, die sich täglich dort versammeln. Wer wird lauter? Manchmal ist es einfacher, sich eine Aufführung vorzustellen, als sie zu besuchen.

Transportsystem: Anthony Braxton und James Fei

Im Laufe der Ereignisse während des Festivals ähnelte die Aufführung in Braxton eher einer konventionellen Veranstaltung als vielleicht jeder anderen. Braxton und Fei standen einander gegenüber, ein paar Meter voneinander entfernt, auf einer Bühne – einem zeitweilig gelösten Altar, um genau zu sein – in der St. Anne’s Anglican Church, einer alten Kirche für Toronto-Verhältnisse. Ich würde gerne die Serie und die Opusnummer des Stücks, das Braxton und James Fei aufgeführt haben, genauer beschreiben, aber ich habe es verpasst. Es trug eine starke Familienähnlichkeit zu Komposition Nr.429die zu hören ist Youtube.

Braxton ist, gelinde gesagt, von Anfang an sowohl für Umfang als auch für Komplexität bekannt Für Alt von 1969 bis zum Sechsstundentakt Schallgenom beim Jazzfest Berlin 2019. Das Bemerkenswerte an seiner Arbeit ist, dass jede ihrer unzähligen Komponenten in der Lage ist, die konzeptionelle Größe der Gesamtheit anzudeuten, die in einer Arbeit wie der vorhanden ist Schallgenom.

Braxton und Fei spielten ungefähr eine Stunde lang. Braxton spielte Alt-, Sopran- und Sopranino-Saxophone, Fei Alt- und Sopranino. Braxton arbeitete auch über einen Computer, nahm Anpassungen vor und löste elektronische musikalische Ereignisse aus – Feedback-Blaste, esoterische Melodien, ausgeprägte Polyphonien – die sich wahrscheinlich selbst formten und beschleunigten wie in den Diamant-Fassade Stücke, manchmal unvorhersehbar. Jeder Musiker hatte einen dicken Stapel Notenblätter. Als Braxton seinen umdrehte, gab er Fei mit Handgesten und Countdowns ein Zeichen, um den Ablauf der Ereignisse zu lenken. Die Episoden waren abwechselnd zackig, lyrisch und pointillistisch. Eine gelegentliche Episode bestand aus heftigem, ausgedehntem freiem Blasen (ein Alt-Duett nahe der Mitte war so intensiv wie Musik nur sein kann), andere waren die lyrischsten Ergüsse; Vieles davon war subtil, schwer fassbar, tauchte ständig auf und erreichte die Grenze der Form.

Die Form wächst hier unweigerlich, auch langsam und großzügig, und ermöglicht es uns, alle ihre Aspekte zu genießen, einschließlich sogar unserer anhaltenden Stadien des Unwissens. Ist das Freejazz? Ja, aber vielleicht im subtilsten Sinne: Es ist teilweise improvisierte Musik, die auf Befreiung abzielt, manchmal vielleicht auch von einem Übermaß an Form. Die Musik dehnt ihre formalen Ressourcen aus, darunter immer mehr in ihrem Griff, ihre Formen gehen über die Form hinaus, ihre intensivsten Momente befreien Interpreten und Hörer gleichermaßen, ein Akt der Musik, der buchstäblich das Ende, das heißt das Ziel der Musik ist: Transport . Hier spiegeln Braxtons Partitur, seine Diagramme usw. eine Art Transitsystem wider. Wie eine Karte sind Braxtons Kompositionen Dinge, die verhandelt werden müssen, komplexe Akte der Erforschung und Synthese, in denen nach und nach Wunder entstehen.

Transitsystem: Die Queen West Streetcar Loop

Ein Großteil des INTERsection Festivals befasst sich buchstäblich mit Kreuzungen, Straßen und Verkehrssystemen. Am 1. September, dem Eröffnungstag des Festivals, fanden Nachmittagsaufführungen an drei verschiedenen Orten statt, die jeweils eng mit dem Nahverkehrssystem der Stadt verbunden waren. Zwei befanden sich in Straßenbahnschleifen (Straßenbahnen für die Briten) an gegenüberliegenden Enden der Queen Street-Linie der Toronto Transit Commission (TTC), die von Ost nach West in der Nähe des Ufers des Lake Ontario verlief. Die Strecke ist 25 Kilometer lang und damit eine der längsten Straßenbahnstrecken Nordamerikas. Fünf Gruppen erschienen an jeder der Ost- und Westschleifen, drei an der unabhängigen Innenstadt von Regent Park. Die schiere Entfernung machte die Teilnahme an mehreren Veranstaltungen unwahrscheinlich (Toronto ist riesig und verstopft und befindet sich in einem fortwährenden Zustand des Entstehens, was weniger ein philosophischer Zustand als ein endloser Stau ist: Es dauerte 75 Minuten mit dem Auto, um vom zentralen Stadtzentrum der Stadt zu gelangen. Stadt bis zur westlichen Grenze der Straßenbahnlinie Queen).

Verschiedene Arten von Pop, Hip Hop und Electronica waren im East Loop, Gemeindechöre und Bands im Regent Park prominent. Ich ging zum West Loop, wo einige der kreativsten Improvisatoren Torontos auftraten. Das Trio des Altsaxophonisten Brodie West besteht aus der Bassklarinettistin Naomi McCarroll-Butler und dem Gitarristen Patrick O’Reilly. Es ist ein intimeres Ensemble als sein übliches Quintett oder Eukalyptus-Oktett. Während letzteres das Sun Ra Arkestra im Traumzustandsmodus suggerieren kann, ähnelt das Trio eher Weberns Kammermusik. Es ist auch sehr leise. Die andere Gruppe ist Kind Mind, das Trio des Bassisten Josh Cole mit der Saxophonistin Karen Ng und dem Vibraphonisten Michael Davidson (ich berichte regelmäßig über kanadische Musik in zwei Zeitschriften, Musikwerke und Die ganze Note).

Die Seite wurde gleichzeitig mit der Musik erfahren, aber es ist einfacher zu beschreiben, zum Teil, weil ihre Hauptwirkung darin bestand, die Musik fast zu machen

unverständlich. Es ist eine Transitschleife. Es ist sowohl idyllisch als auch industriell, die Schleife eingebettet in eine Schlucht mit Gras und Bäumen sowie viel Zement. Es gibt ein kleines Bahnhofsgebäude und die Musiker, die unter einem Überhang eingebettet sind. Obwohl die Gruppen leicht verstärkt wurden, waren sie schwer zu hören, da Busse im Leerlauf, eine S-Bahn-Linie, ein Einkaufszentrum und eine Hauptverkehrsader in der Nähe waren. Es ist Nachmittag an einem Wochentag, es gibt herabgesetzte Covid-Vorkehrungen, die Stadt brodelt vor Leben, das hier nach Stau klingt.

Ein weiteres Festivalelement waren Telefon-Apps, die bei Verwendung in der richtigen Straßenbahn dazu führten, dass ein Musikstück von einer der neun auf dem Festival auftretenden Gruppen zu hören war. Das Brodie West Trio und Kind Minds hatten auch Stücke zu bestimmten Straßenautos.

Von Lee Rice Epstein

In gewisser Weise Universelle Tonalität ist so etwas wie eine Deluxe-Veröffentlichung zum 20-jährigen Jubiläum für ein Album, das nie existierte, außer vielleicht in den Köpfen derer, die am 14. Dezember 2002 beim Roulette dabei waren, als William Parker und ein 17-köpfiges großes Ensemble das kollektive Bewusstsein der versammelten Menge erweiterten .

In Cisco Bradleys Pflichtlektüre

Universelle Tonalität: Das Leben und die Musik von William Parkererklärte der Bassist das Konzept hinter dem Auftritt von 2007 Doppelter Sonnenaufgang über Neptun:

Das Konzept hinter der Platte war Parkers Konzept der „universellen Tonalität“, die Idee, dass „alle Klänge, wie Menschen, vom selben Ort kommen. Sie haben unterschiedliche Körper und Gesichter, aber die Seele jedes Klangs stammt von der gleichen übergeordneten ‚Schöpfung’.“ Parker fügte hinzu: „Alle Geräusche haben einen Herzschlag und atmen genauso wie jeder Mensch. Manche Klänge werden in Afrika geboren; andere sind in Asien, Europa, Australien oder Amerika geboren. Diese Klänge gehen durch bestimmte Menschen. Wir erfinden Klänge nicht, wir dürfen ihnen begegnen; wir besitzen sie nicht, sie existierten, bevor wir geboren wurden, und werden hier sein, nachdem wir gegangen sind.“

Wenn man das Konzept bis zu dieser Aufführung von 2002 zurückblickt, kann man hören, dass Parkers Konzept bereits weit über die Entstehung hinaus war. Das große Ensemble umfasst Spieler, deren Leistungen und Brillanz ihre Sensibilität füreinander und ihre Hingabe an den/die Moment(e) widerspiegeln. So etwas wie eine Kerngruppe, gibt es Spieler, die zu dieser Zeit aktiv mit Parker aufgenommen und gespielt haben, wie Rob Brown an der Altstimme; Jerome Cooper am Balafon, Chiramía, Keyboards und Schlagzeug; Daniel Carter über Schilf und Blech; und Gerald Cleaver am Schlagzeug. Darüber hinaus umfasst das Ensemble die Geiger Billy Bang und Jason Kao Hwang, den Gitarristen Joe Morris, den Pianisten Dave Burrell, Miya Masaoka auf Koto, Jin Hi Kim auf Komungo, die Posaunisten Grachan Moncur III und Steve Swell, den Trompeter Matt LaVelle, den Saxophonisten Cale Brandley, Roger Blank am Balafon und Parker selbst am Bass, Dilruba, Shakuhachi und Donso’ngoni. Als Hinweis (zu dieser Zeit) auf die großartige Musik, die kommen wird, schließt sich Leena Conquest dem Ensemble als Gesang an; Sie würde für die nächsten 20 Jahre eine entscheidende Interpretin von Parkers Musik werden.

Und was ist mit dieser Musik selbst? Um ehrlich zu sein, ich liebe es, eindeutig. Universelle Tonalität ist eines der realisiertesten Kollektivwerke von Parkers schillernder Karriere. Die Musik zeigt in sechs benannten Abschnitten alle Markenzeichen seiner einzigartigen Klangwelt: Grooves, Funk, Blues, Swing, eine Don-Cherry-artige Mischung aus rhythmischem und gegenrhythmischem Zusammenspiel, stark wiedergegebene und gelegentlich herzzerreißende Texte und Taschen der Improvisation, die Samen enthalten, die zu Melodien voller Ensembles aufblühen. Und für den neugierigen Zuhörer enthalten die Liner Notes (als PDF in einem Download verfügbar) Bilder von Parkers brillant suggestiven grafischen Partituren.

Moncur so kurz nach seinem Tod zu hören, ist eine Freude. Er hatte zuvor mit Parker gespielt Um zu überleben (das Album, auf dem das gleichnamige Quartett nicht enthalten war), aber bis heute nicht auf einem Album mit Swell erschienen war. Blanks Balafon ist eines der frühen Highlights, das den Hörer in der ersten Hälfte von „Tails of a Peacock“ in seinen Bann zieht. Wie bei Moncur stellt allein seine Anwesenheit eine Verbindung zu einigen der Einflüsse in Parkers Musik her, und Universelle Tonalitätinsbesondere, enthält Schichten von großen Ensemble-Alben von Sun Ra Arkestra und Pharoah Sanders wieDorf der Pharaonen, Thembiund Izipho Zam (Meine Geschenke).

Natürlich hat Parker selbst eine lange Geschichte mit Blank und Cooper, nachdem er jahrzehntelang mit beiden gespielt hat, und seine Partnerschaften mit Carter, Hwang und Bang gehören nach wie vor zu den stärksten Beziehungen im modernen improvisierten Jazz. Getreu Parkers Vision, dass Spieler aus aller Welt sich auf der Bühne treffen und (buchstäblich und im übertragenen Sinne) im Einklang atmen können, vereint die Instrumentierung Zithern aus Japan (Koto) und Korea (Komungo), Balafon, Ngoni und westliche Instrumente wie Geige, Gitarre und Klavier. Im Kern, während des gesamten Albums, summt Parkers Bass, weniger ein pulsierender Herzschlag als ein vibrierender Faden, der Verbindungen darstellt, die Spieler mit Spieler, Klang mit Klang, Moment mit Moment verbinden, wobei die Schichten sich gegenseitig zu einem abgerundeten Ganzen umhüllen. Sehr empfehlenswert und hoch unter den besten Alben, die in den zwanzig Jahren seit seiner Aufführung veröffentlicht wurden.

Verfügbar auf Bandcamp